Suite à mon précédent billet, certains se sont émus de ce que je puisse ajouter des nuages dans un ciel bleu. Je tiens à les rassurer : c’est très loin d’être systématique, ne serait-ce qu’à cause du travail que cela demande ;-) On a évoqué aussi la différence, chère aux Anglo-Saxons, entre postprocessed et doctored. Selon cette posture, il est admis qu’on peut se servir d’outils imitant, grosso modo, ce qui est réalisable dans un laboratoire argentique, alors que la retouche proprement dite est prohibée. Autrement dit, on peut modifier les réglages des pixels originaux, alors que la création ou l’apport de nouveaux pixels est rejetée [1].
Restons dans les nuages avec ces 2 exemples de photos postproduites dont j’ai un peu exagéré le caractère pour la démonstration. Sur la première, je me suis « contenté » de changer les réglages des pixels originaux [2]. Alors que sur la deuxième, j’ai clairement fait une petite retouche en collant des nuages provenant d’une autre photo.
Passez la souris sur l’image pour voir avant/après
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Il n’y a pas photo - si j’ose dire ! Le premier exemple montre des effets dramatiques, alors que la retouche sur le second n’a qu’un faible impact [3]. Le travail sur la première image serait donc « autorisé », alors que sur la deuxième il ne serait pas admis... ? Cette petite expérience (exagérée, je le redis) n’est là que pour ébranler quelques certitudes trop bien arrêtées. Les interventions en postproduction sur les photos ne se laissent pas enfermer dans des spécifications techniques. Tout est affaire de nuances. Et décidément, rien n’est simple au pays de la photo numérique !
Notes:
[1] Ceci est une vue de l’esprit, une métaphore, car les pixels des images numériques sont immatériels. Ils ne peuvent pas être transportés, enlevés, remplacés ou annulés. On peut juste modifier les données qui les caractérisent. L’ergonomie des logiciels de traitement d’images est assez bien faite pour entretenir l’illusion. Tellement bien faite, d’ailleurs, qu’on peut continuer à s’en servir dans la plupart des raisonnements.
[2] L’aspect mou et délavé de la photo originale vient du fait qu’elle a été prise au format Raw (brut) en désactivant tous les réglages d’optimisation internes de l’APN. Cela laisse de plus grandes possibilités de réglages ultérieurs.
[3] En poussant un peu le bouchon, on pourrait même dire que cette image est meileure avec sa retouche, car un ciel si bleu, dans une Bretagne réputée pour son mauvais temps, ne peut qu’attirer la suspicion ;-)
Quand j’entends parler de problèmes relevant de l’éthique en photographie, je suis toujours surpris de constater à quel point on tend à vouloir généraliser les mêmes exigences morales à l’égard de tous les types de photos. « LA photo c’est ci... LA photo c’est pas ça... » Mais il y a 1000 façons de faire et d’utiliser des photos !
Régulièrement, des cas de retouches de photos spectaculaires défraient la chronique. Ils ont en commun le fait de survenir dans la presse et d’être abondamment dénoncés par les blogs et par la presse concurrente, trop ravie de paraître momentanément plus vertueuse que « l’autre ». Le public s’émeut, puis oublie un peu ou se résigne. D’un côté, il est bien au courant des nouvelles possibilités apportées par le numérique, et de l’autre, cela ne le conduit pas forcément à revoir ses croyances liées à des images. Au passage, il est amusant de constater que les plus vives critiques de ces pratiques de retouche émanent des décrypteurs d’images patentés (moi y compris) et que ce sont les mêmes qui nous disent, par ailleurs, que les images ne représentent pas la réalité ! Alors, pourquoi tant d’acharnement à dénoncer les mensonges de ces images menteuses ? Bien sûr, je simplifie à gros traits et je joue à l’idiot du village... Alors, oui bon c’est vrai, il est toujours nécessaire de décrypter les dérapages, de les mettre en perspective, d’argumenter et d’évoquer une éthique des images. Mais il n’empêche... même si on peut les expliquer par de nombreuses raisons (historiques, mécaniques, psychologiques, philosophiques, etc.), ces questions n’ont pas fini de troubler tout le monde, spécialistes ou non.
La photo de presse est toujours au centre de ces préoccupations. Elle cristallise toutes les attentes et partant, toutes les critiques. Alors que de lourdes menaces de discrédit planent sur la presse, il me parait nécessaire de prôner une attitude sévère envers toutes les altérations possibles de ces images-là et des informations qu’elles véhiculent. Nous le devons, car il n’est pas imaginable de pouvoir réglementer ces pratiques avec une quelconque liste de recommandations. Pour éviter tout dérapage, il faut donc appliquer une sorte de « principe de précaution ». (Mais il est déjà difficile de définir un contenu pour ce principe simple, ce qui montre bien l’impossibilité d’une réglementation !). On inclura à cette catégorie de photos « intouchables », les photos à usages documentaires, celles qui doivent (devraient) attester des informations visuelles, bref, toutes celles chargées d’une grande attente de crédibilité.
Or il y a toutes les autres photos ! La presse n’est pas la seule à en montrer. Il se produit bien plus de photos, partout, tous les jours, qui ressortent à d’autres usages. La sévérité que nous appliquons aux photos de presse et d’information ne doit pas forcément s’appliquer à toutes les photos du monde ! J’ai parfois l’impression que dans le public et chez certains photographes, on juge toutes les photos à l’aune de celles de presse. Cela ressemble même à un déni de la nature des autres pratiques de l’image. Les photos ressortant du domaine artistique, ou plus simplement de l’expression personnelle, des métiers de la communication (pub), de la satire et de bien d’autres encore, n’ont que faire des usages et des contraintes de la photo de presse. On me rétorquera que toute photo, quelle que soit sa provenance peut un jour atterrir dans la presse. Ce problème, bien réel, est toutefois de la responsabilité de la presse. C’est à elle de s’assurer de la provenance de ses documents, de les utiliser à bon escient et de les mettre en perspective. Je répète pour que cela soit bien clair :-) C’est à elle (la presse) de s’assurer de la provenance de ses documents, de les utiliser à bon escient et de les mettre en perspective.
Il faut aussi comprendre que ce qui sort d’un appareil photo, qu’il soit argentique ou numérique, ne produit pas automatiquement de la « réalité » directement exploitable en tant que telle. L’aplatissement en 2D fourni par l’appareil de photo livre un document que notre ensemble oeil/cerveau doit analyser et « reconstruire », selon ses conventions, pour produire une information utilisable (une image, quoi ;-)
Par exemple, dans son environnement habituel notre oeil/cerveau corrige automatiquement certaines aberrations optiques. Il redresse les lignes de fuite des perspectives verticales, il atténue des dominantes de couleur de la lumière ambiante, il distingue les formes humaines bien mieux que les autres, il a une notion immédiate de la distance des objets (vue stéréoscopique), etc. Un appareil photo est (actuellement !) incapable de tout cela. Il livre un document brut, aplati, qui ne propose pas toujours ce qu’un oeil normalement exercé peut « comprendre ». Souvent, notre oeil ne reconnait les objets que parce qu’il les a déjà vus « en vrai » et non grâce au talent du photographe ! Le vrai boulot du photographe, comme de tout producteur d’images, est de faire en sorte que cette représentation en 2D corresponde le mieux possible à ce qu’il faut voir.
Il n’y a pas que la prise de vue qui fait l’image. Il y a un « avant » et un « après ». Dans l’idéal, la production d’une image photographique se passe en trois temps : projet, prise de vue, postproduction.
• Le projet est l’étape la moins visible. Pourtant, elle éclairerait bien le sens des images si elle parvenait jusqu’au spectateur. Étape souvent éludée par les inconscients, elle me semble pourtant déterminante. C’est elle qui fixe un cadre à la suite du processus et donne des clés pour l’interprétation. Mais point n’est besoin de faire absolument compliqué : même l’attente d’un « instant décisif » est un projet !
• Je ne m’étendrai pas, ici, sur l’étape de la prise de vue qui semble être connue de tout le monde, si ce n’est pour rappeler qu’il y a un monde entre une image « volée » dans la rue et une prise de vue sophistiquée sous les flashes d’un grand studio.
• J’appelle « postproduction », toutes les opérations - possibles, mais pas obligatoires - survenant après la prise de vue et visant à rendre une image visible. Le terme, bien qu’un peu jargonnant, a le mérite d’être global et peu connoté.
(Je me méfie des mots : ici, le mot qui tue est « manipulation ». En matière de photo, il est toujours utilisé dans sa pire acception ! Si on parle de manipulation quand, par exemple, on esthétise une image, il faut alors admettre aussi que nous manipulons notre monde tous les matins, lorsque nous choisissons la couleur de notre cravate, de notre t-shirt ou de notre rouge à lèvres. Et de se contenter de prendre le t-shirt du dessus de la pile est un choix aussi !)
Ceux qui m’ont suivi jusqu’ici s’en doutent : j’attache beaucoup d’importance à la postproduction. Mais on ne peut en parler sans revenir à la notion de projet. Si cette étape va sans dire pour une démarche artistique, pour une enquête ou pour un témoignage social, il faut la voir aussi comme essentielle dans tout travail photographique un tant soit peu créatif. C’est là qu’on va décider du cadre de ce travail, de ses buts et de ses objectifs, de cerner le public auquel on va s’adresser, du média de diffusion et - surtout si c’est une commande - du message qu’il faut transmettre (certains sont payés pour cela !). Nous voilà tout à coup bien sérieux et compliqués pour une simple photo ;-) De fait, j’essaie simplement d’attirer l’attention sur l’importance de déterminer dans quel contexte on évolue. Cela permet d’adapter son comportement éthique à ce contexte.
Une image est, de façon consciente ou non, une construction intellectuelle. C’est aujourd’hui devant un écran que beaucoup d’images sont finalisées. C’est là qu’on les façonne pour qu’elles deviennent de véritables images, avec leur statut d’image, leurs vérités et leurs mensonges, leur puissance d’évocation. Mais aussi avec toutes les ambiguïtés, voulues ou non, qui font que jamais on ne pourra être sûr de toutes les interprétations qui en seront faites. Les outils sont incroyablement plus puissants qu’ils ne l’étaient pour l’argentique. Les compétences - techniques, éthiques - pour les utiliser à bon escient doivent être à la mesure de cette nouvelle donne : très élevées. Il s’agit de mettre une image en conformité avec son projet. Certains prétendront qu’ainsi on tord la réalité. Mais cette « réalité » a été tordue lors de la prise de vue, au moment de la mise en boite en 2 dimensions. La postproduction peut contribuer à la détordre. Souvent, une retouche plus ou moins sévère, tend (ou devrait tendre) à rendre l’image plus lisible, à lui donner du sens. À l’instar du roman, une dose de fiction peut révéler bien plus de réalités qu’un compte rendu strictement documentaire qui est quelques fois difficile à déchiffrer.
Ce qui complique singulièrement le débat, c’est qu’aujourd’hui bon nombre d’effets sur l’image peuvent survenir aussi bien au moment de la prise de vue qu’à la postproduction. Cette vérité est difficilement admise par des intégristes de la photo traditionnelle, mais elle trouble aussi la perception des enjeux par le public. Aujourd’hui, je peux réaliser un portrait en utilisant des lumières douces et diffuses pour atténuer les rides d’un visage, cela est bien admis. Si j’obtiens le même résultat, en toute délicatesse, mais en opérant sur un logiciel et en le faisant savoir, cela passe beaucoup moins bien. Non pas que ce soit mal réalisé, mais le procédé attire la méfiance. Une des raisons tient au fait que nous avons tous été les témoins d’exagérations. Bien des opérateurs n’ont pas le sens de la mesure. Au-delà de l’éthique, c’est aussi une question de culture visuelle.
Comment adapter son comportement éthique à des contextes, par définition changeants ? L’éthique n’est pas un corpus rigide. Ici, elle se construit sur le terrain. Les nombreuses et nouvelles possibilités d’interventions sur les images doivent, en permanence, se soumettre à une attitude morale exigeante. Les défis sont nouveaux, car à l’époque argentique, les sollicitations que nous connaissons n’existaient (pratiquement) pas. Il me semble difficile de « textualiser » cette attitude. Peut-être que des exemples seront plus parlants... Il m’est arrivé d’ajouter des nuages dans un ciel trop serein afin de donner un peu de force à une scène qui n’avait pas l’épaisseur voulue. Mais les pixels du vrai sujet - qui n’était pas le ciel - n’ont pas été touchés.
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De même, je ne m’interdis pas d’« effacer » des touristes qui se trouvent au mauvais endroit, alors que mon propos (mon projet) est de faire du paysage. Dans ce cadre, j’effacerai tout aussi facilement les « objets » qui ne sont pas constitutifs ou permanents de la scène : grues, échafaudages, véhicules, etc. Mais en même temps, je ne toucherai pas aux « objets » pérennes, même s’ils me gênent : lignes à haute tension, constructions disgracieuses, etc. Sur un portrait, je pourrai effacer un bouton (qui s’y trouve passagèrement), alors que je rechignerai à supprimer une ride. Mais si j’adoucis la lumière, pour atténuer ces mêmes rides... suis-je complaisant ou suis-je plein d’égards pour la personne photographiée ? Et si c’est une photo de mode ? Le modèle étant anonyme, puis-je la retoucher puissamment ? Dois-je alors craindre les chiennes de garde plutôt que mon client qui fait dans les cosmétiques ?
Dans la critique courante de la retouche, on ne prend pas souvent en compte le critère des conventions (les standards). Aveuglement ou mauvaise foi ? C’est pourtant un facteur constitutif des images. C’est même un élément clé pour la construction et la lecture des images. Ces conventions peuvent intervenir à différents niveaux : techniques, sociaux, artistiques, etc.
• Par exemple, le flou, qui donne la notion de la profondeur, est une pure convention née des contraintes techniques de la photographie. Quel peintre aurait pu penser à cela, avant l’invention de la photographie ?
• Les conventions peuvent être du domaine social. Quand des pratiques se généralisent, elles finissent par avoir « force de loi ». Qui s’étonne encore des ciels exagérément bleus des images touristiques ou des photos « hyperliftées » issues des milieux de la mode et des cosmétiques ? Un photographe ne défend pas forcément ces valeurs, mais il reflète les valeurs du moment et de l’environnement social auquel il s’adresse.
• Les conventions artistiques sont plus diverses et échappent parfois à l’analyse. Elles peuvent prendre le contre-pied des conventions sociales bien installées ;-)
Peut-être serait-il temps de remettre les photographes au centre de la fabrication des images ? Il faut bien reconnaitre qu’avec le partage des outils de traitement, tout le monde se sent autorisé à intervenir sur n’importe quelle image. Et cela est particulièrement vrai dans la presse ou les délais sont tellement raccourcis que la postproduction échappe totalement au photographe ! (La presse, ce n’est pas le sujet ici, mais ça revient toujours ;-) Beaucoup de photographes ont été un peu lents à acquérir les nouvelles compétences techniques, mais ça change... Ils ont tout à gagner à se réapproprier la maîtrise du processus de fabrication. Car ce sont eux les auteurs, c’est à eux de décider du contenu de leurs images. (Et s’il le faut, tant que les lois sur les droits d’auteurs ne seront pas profondément modifiées, ils ont la loi de leur côté pour défendre cette posture !) Mais il leur faudra beaucoup de « doigté », un sens de la mesure et une grande honnêteté, toutes qualités extrêmement subjectives, et pour tout dire, pas forcément résistantes quand de grands intérêts sont en jeu...
L’éthique n’est pas soluble dans Photoshop (c’est pourquoi elle ira peut-être se faire voir ailleurs...) car, contrairement à ce qu’on peut croire, ce ne sont pas les logiciels qui font les images. C’est l’usage qui en est fait qui peut-être crapuleux ou vertueux.
Quelques articles récents parlant du statut de l’image contemporaine :
• André Gunthert : Derrière Simone de Beauvoir
Retour sur « l’affaire » du Nouvel Obs.
• Philippe de Jonckheere : Un hommage imparfait, mensonges et demi-mensonges
« ...il semble que le progrès soit plus vif que la réflexion éthique, un peu à l’image des manipulations génétiques dans lesquelles les avancées scientifiques sont nettement plus rapides que la compréhension éthique et politique qui devrait réguler le cadre des recherches. »
• André Gunthert : L’empreinte digitale. Théorie et pratique de la photographie à l’ère numérique
« …les photographes savent bien qu’en changeant d’objectif ou de film, ils disposent au moment de la prise de vue d’une marge de manœuvre importante, qui leur permet de modifier l’aspect, la géométrie ou les couleurs d’une scène. On ne saurait décrire un appareil photographique comme un médiateur transparent du réel : il doit plutôt être compris comme une machine à sélectionner des interprétations, selon un ensemble de paramètres aux interactions complexes, qui requièrent des choix précis. Un aiguillage plutôt qu’un miroir. »
• Sophie Blitman : Que nous disent les images contemporaines ?
(Tout ces articles sont de - ou font référence à - André Gunthert. C’est notre maître ;-) Qu’il soit ici remercié pour la pertinence de ses propos et les éclairages qu’il apporte sur les évolutions de la photo contemporaine.)
Matthias Wähner a trouvé une manière originale et forte de questionner ses contemporains sur l’intégrité des images. Il s’est introduit par effraction - et par la magie de la retouche - dans des images d’actualités très connues. On a pu voir sa personne aux côtés de Kennedy, des Beatles, de Willy Brandt ou de la famille royale d’Angleterre. Dans l’Allemagne de 1994, cette démarche fut très remarquée. Depuis les années 70, le pays a été agité par divers remous politiques et sociaux : Fraction armée rouge, mouvement autonome, mouvements des squatters, mouvement antinucléaire, mouvements pacifistes ou anti-impérialistes, Verts élus au parlement. Avec la chute du mur de Berlin (1989), de nombreuses certitudes s’effondrent. La démarche artistique de Matthias Wähner s’inscrit dans cette continuité en ébranlant d’autres certitudes. Il utilise des images qui, à leur époque, ont un statut d’icônes, pour mettre le doigt sur des croyances angéliques et un manque de recul critique face à l’information. Le voici...
... à côté du chancelier Willy Brandt
... avec le cosmonaute Neil Armstrong
... avec les Beatles
... à la mort du Che
... avec la famille royale d’Angleterre
... avec Brigitte Bardot
Cette démarche est-elle toujours actuelle ? Les images sont aujourd’hui bien plus nombreuses et circulent beaucoup plus dans des réseaux plus ouverts. L’intérêt pour certains de contrôler l’information et/ou les images n’a sûrement pas diminué ! La facilité liée aux outils informatiques reste bien sûr un élément décisif. Le public le sait et il est dans l’ensemble mieux averti grâce à certaines affaires éclatant çà et là. Mais il ne remet pas toujours en cause sa grande crédulité en l’authenticité de ce qu’il voit ou croit voir dans les images.
Il semble donc que ce dispositif soit toujours d’actualité. Cette façon de mettre subrepticement sous le nez du spectateur une sorte de piège visuel qui, souvent, se « dénonce » de lui-même dès la seconde lecture est un moyen didactique puissant pour éveiller la vigilance. Une mise à jour avec des images récentes en tenant compte des nouvelles données qui régissent la diffusion des images serait peut-être souhaitable. (Ah si j’avais du temps, cela me donnerait des idées... ) Mais cela se fait déjà couramment, sans que cela soit revendiqué en tant que démarche artistique, ainsi que je vous le montrerai dans mon prochain billet...
Matthias Wähner a baptisé son cycle L’homme sans qualités, faisant référence au roman éponyme de Robert Musil. L’exposition, constituée de 40 images, a été présentée dans de nombreux endroits autour du monde. Le livre/catalogue est toujours disponible au Fotomuseum de Munich. Quelques images figurent en bonne place dans l’exposition Images mensongères à Berne dont je vous parlais récemment.
Matthias Wähner est né en 1953. Il utilise couramment la photo, mais aussi la vidéo et des installations diverses. Il évoque ses principaux travaux sur son site internet. Il vit à Munich où il enseigne à l’Akademie der Bildenden Künste.
Photos publiées avec l’aimable autorisation de l’auteur.
Le Musée de la communication de Berne (Suisse) présente l’exposition « Bilder, die Lügen - Images mensongères » consacrée aux manipulations d’images. De nombreux aspects sont traités. Ils se rangent en 3 grandes catégories :
• transformation de l’image (manipulation d’images existantes)
• la falsification du texte et du contexte (manipulation de l’interprétation)
• le mensonge à l’aide d’images réelles (images posées, mises en scène)
La plupart des exemples présentés sont issus de la sphère germanique. Pour les francophones, les images tirées de l’actualité peuvent poser quelques problèmes, car nous n’avons pas tous les repères pour comprendre le contexte des affaires en question (et les contextes peuvent être importants !). Mais les explications écrites sont en général suffisantes pour y pallier et l’inconvénient est largement compensé par l’intérêt d’aller voir ailleurs comment ces sujets sont traités.
L’histoire récente de l’Allemagne tient une place de choix en nous remettant en mémoire des images problématiques sur le mythe du Führer, la prise du Reichstag par l’armée rouge, la « dénazification », les carnets d’Hitler, la guerre froide ou le culte du nazisme. Comme dans toute manifestation du genre, les grands classiques du stalinisme sont aussi de la partie. Quelques cas n’ont pas un rapport premier à l’image. Mais ils s’inscrivent dans un discours cohérent dont le propos est toujours de nous parler de manipulations.
L’exposition originale date de 1998. La version d’aujourd’hui a été actualisée avec de nombreuses affaires récentes. Celles-ci sont difficilement intégrables dans le fil original de l’expo. On les retrouve sous d’autres formes, dont des vidéos, contenant des extraits de journaux télévisés et/ou de documentaires. « Objectif », un petit magazine papier à disposition sur place reprend et résume ces cas.
Le but visé par l’exposition est de nous sensibiliser aux manipulations d’images. On ne peut que souscrire à cet objectif, car les facilités techniques offertes aujourd’hui ne vont pas dans le sens d’une diminution des interventions, que celles-ci soient inoffensives ou crapuleuses, naïves ou rusées. Mieux vaut développer un esprit critique envers les images plutôt que de rester convaincu de leur neutralité ou de leur objectivité. Le visiteur est ainsi amené à bien comprendre ce qu’on peut faire dire à une image, saisir les enjeux et les intentions qui sous-tendent une manipulation.
Allez-y en famille pour un cours inopiné d’instruction civique ! Vos ados, qui souvent ne s’intéressent pas à ce que vous jugez utile, seront bluffés. J’y ai vu des classes d’ados avec leurs enseignant-e-s. Ils semblaient très captivés par le sujet. Je m’étais procuré le livre/catalogue avant de me rendre à l’exposition. Connaissant donc un peu les sujets présentés, j’ai pu prendre le temps d’observer les visiteurs. De façon générale, on peut dire que l’intérêt est très soutenu. On perçoit de nombreuses remarques de stupéfaction.
Souvent les gens sourient, ricanent, ou rient aux éclats de ce qu’ils découvrent. Je me suis quelques fois demandé s’il s’agissait d’un rire libérateur ou de connivence...
Nul n’est prophète en son pays : j’ai été étonné de ne pas trouver la moindre allusion à l’Allemand John Heartfield, qui utilisa le photomontage dès les années 20 pour ses travaux satyriques et dont je vous parlais ici. Cela aurait fait un beau contrepoint aux images de propagande nazies.
L’affaire Brian Walski, que je trouve exemplaire à bien des égards et dont j’avais traité ici, trouve sa place dans la partie actualisée de l’exposition. Le petit magazine « Objectif » titre cette affaire ainsi : « Inoffensif, mais pas tolérable ». Plus loin, il résume : « Le photographe Brian Walski manipule la vérité pour la rendre plus passionnante ». Voilà, parfaitement résumé en 2 phrases, ce que je disais dans mon (trop) long article !
La photo de Spencer Platt qui a remporté le World Press Photo Award 2007 figure dans
l’exposition (et sur « Objectif ») avec une légende trop simple, qui n’a pas été réactualisée selon les derniers développements de son histoire. Pourtant, cela aurait été passionnant dans le contexte de l’exposition. Lire ici, en anglais, ce qu’en disent les protagonistes et et ici, les conclusions qu’on en tire sur Actualités de la recherche en histoire visuelle.
Je reviendrai probablement sur d’autres sujets que m’inspire cette exposition... Elle est visible jusqu’au 6 juillet 2008. Il s’agit de la reprise de l’exposition « Bilder die lügen » qui a été créée en 1998 à Bonn, puis montrée dans plusieurs villes allemandes. Elle a été réalisée par la Fondation de la Maison de l’Histoire de la République fédérale d’Allemagne en coopération avec le Centre fédéral pour l’éducation politique (Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland - Bundeszentrale für politische Bildung). Pour l’occasion, les textes ont été traduits en français et en anglais (notre prochaine 2e langue nationale :-). Le livre-catalogue de l’exposition : 100 pages, richement illustrées, en allemand seulement, au prix de 25 francs suisses, est disponible ici. Il reprend toute la thématique de l’exposition originale, mais les actualisations n’y figurent pas. Il ne vous reste plus qu’à aller voir sur place !
On ne peut rester indifférent aux portraits d’enfants de Loretta Lux. Loin des conventions du genre, reposant sur la tendresse et la joliesse, ses images inquiètent. Il s’en dégage une mélancolie froide qui bouscule nos attentes. Les enfants ont le teint blême. Leur regard est ailleurs. Ils ne sont ni gais ni tristes. Trop sages. Leurs habits d’un autre âge sont comme empesés. Leur tête ou leurs yeux légèrement agrandis semblent disproportionnés. Leurs corps sont littéralement posés dans des décors inhabités et trop grands pour eux.
Au-delà de leurs oripeaux et par leur singularité, ces enfants nous touchent. Leur représentation presque désincarnée nous les fait percevoir comme des métaphores ingénues d’un paradis perdu. Mais c’est bien à nous que s’adresse leur regard. Il nous questionne. Peut-être juste un peu plus gravement que les vrais enfants...
Loretta Lux a une formation de peintre et le revendique. Ses subtiles références à la peinture (en particulier celle de la renaissance) en témoignent. Même si elle utilise parfois des paysages peints en guise de décors, sa démarche s’inscrit pleinement dans une mouvance qui intègre et tire parti des outils numériques. Pour moi, les techniques ne sont pas anodines et contribuent à façonner la vision. Si ces enfants étaient représentés en peinture, ils ne nous toucheraient pas avec la même force. Mais, un peu comme pour désamorcer cet indice de « vérité », l’utilisation des procédés numériques est immédiatement soulignée pour en montrer les limites. Les silhouettes des enfants sont découpées de façon trop nette pour se fondre naturellement dans leur environnement. Les textures des divers éléments entrant dans la composition sont laissées dans leurs dissemblances d’origine. Les éléments rapportés dans le décor ne provoquent que peu ou pas d’ombres (ce qui les intègre mal). Quand on voit, par ailleurs, la virtuosité de Loretta Lux, on ne peut qu’en déduire que ces « imperfections » sont voulues. Ces artifices de montage, qui ne sont pas totalement gommés, contribuent à créer une atmosphère particulière où l’irréel le dispute à l’objectivité. Un peu comme au théâtre, lorsque vibrent les sentiments en même temps qu’on voit les ficelles du décor.
Ces détails de facture sont invisibles dans la version grossière que nous offrent les petites images diffusables sur internet. Comme toujours, rien ne vaut une visite dans les musées et les galeries (ou la consultation de livres d’art bien réalisés).
Le musée de l’Élysée à Lausanne (Suisse) présente une exposition très étendue des oeuvres de Loretta Lux (jusqu’au 4 novembre) (lien cassé). La muséographie est particulièrement soignée. L’accrochage, très sage, sur des murs aux tons pastel, respecte l’esprit méticuleux des oeuvres.
Loretta Lux est née en 1969 à Dresde, en Ex-Allemagne de l’Est. Elle a 20 ans quand elle part étudier la peinture à Munich, juste avant la chute du mur de Berlin. Depuis, elle a reçu de multiples récompenses internationales et ses oeuvres sont visibles dans de nombreux musées. Depuis 2003 elle est représentée par la galerie Yossi Milo à New York. Le site de Loretta Lux est à visiter pour avoir une vue d’ensemble et pour apprécier la cohérence de sa démarche.
