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Le Musée suisse de l’appareil photographique de Vevey présente sa nouvelle exposition : La révolution numérique.

Cela fait 40 ans que l’électronique s’est peu à peu invitée sur les appareils photographiques. Mais, le remplacement du film argentique par un dispositif numérique au moins aussi performant est bien plus récent : c’est vers 2003-2004 qu’un renversement des technologies s’opère. Par renversement, nous entendons qu’une majorité des acteurs se convertissent à ces nouvelles technologies. Depuis, nous assistons au développement fulgurant du numérique, de ses usages et de sa dissémination.

La photo numérique a-t-elle, pour autant, déjà une histoire ? Selon André Gunthert, qui présentait une conférence sur cette question, en avril 2008, dans ce même musée, il n’existe pas de véritable histoire de la photographie numérique. Deux ans et des milliards de pixels plus tard, ce constat est-il toujours valable ? Sur le plan théorique, il est probable que les bouleversements gigantesques auxquels nous assistons en direct ne nous permettent pas encore de prendre suffisamment de hauteur... L’élaboration de théories nouvelles - et surtout leur large acceptation - est rendue plus difficile par la prégnance de concepts élaborés à l’époque argentique. [1]

Néanmoins, l’exposition qui vient de s’ouvrir à Vevey nous prouve que l’histoire de la photo numérique, sur le plan du matériel et de la technique, est déjà foisonnante, malgré ses débuts récents. Les appareils rassemblés ici nous font voir toute une histoire des techniques, dont on avait (déjà !) un peu oublié les détours, les culs de sac et les réussites. Si certains appareils nous font sourire, tant ils paraissent lourdauds et peu performants, d’autres nous étonnent par leur côté visionnaire. Bien sûr, cet aspect visionnaire ne se voit qu’après, quand les choix technologiques et commerciaux successifs montrent le cheminement d’une idée vers son succès. Comme toujours, la prospective est un métier difficile.

Quelques repères et dates...

1965. Première photographie numérisée connue.

Cette image a été réalisée au moyen de petites bandelettes de papier colorées et collées à la main sur un grand panneau. Chaque papier affichait une couleur digitalisée, transmise par radio depuis une sonde en orbite autour de Mars. Détails ici.

© Nasa Images

1975. Steven J. Sasson, chercheur chez Kodak

réalise le premier appareil de prise de vue numérique en combinant 3 technologies existantes : un convertisseur analogique-numérique Motorola, un appareil photographique Kodak et un capteur CCD Fairchild. 3,6 kg pour produire une image de 100 x 100 pixels.

1981. Sony met au point la première caméra Mavica

dont le film est remplacé par une vidéo analogique arrêtée (still video). Les données sont enregistrées sur une disquette magnétique. La même année, Sony lance la disquette 3.5 pouces, qui fit la carrière que l’on sait (et dont on vient d’annoncer la fin de la production pour mars 2011).

Il est intéressant de noter à ce stade que les principes essentiels des technologies actuelles de postproduction de photos ont été mis au point bien avant que les capteurs numériques n’arrivent sur le marché. Toute l’industrie graphique avait déjà « fait sa révolution », avec l’apparition de la photocomposition (dès les années 70), puis des scanners permettant de reproduire digitalement les photos argentiques. Le développement d’ordinateurs de plus en plus performants, munis de logiciels de mise en page et de traitement d’images a scellé « la marche en avant du progrès ». Dès 1990 le logiciel Photoshop voit le jour et permet aux aficionados de découvrir les joies de la manipulation des images [2]. Quand la photographie numérique a été suffisamment performante, elle a pris sa place tout naturellement (comme un chaînon manquant !) dans cette chaine de production graphique déjà parfaitement rodée. Cette rapide intégration a surpris plus d’un photographe professionnel.

La transmission rapide des images est un autre élément déterminant du succès de la photo numérique. Jusqu’alors, le bélinographe avait été très utilisé par les agences de presse, et cela, dès les années 40. En 1984, à l’occasion des Jeux olympiques de Los Angeles, Hasselblad met au point un dispositif très performant (pour l’époque) de transmission des images. Mais, dès 1990, la naissance du World Wide Web change radicalement la donne. La transmission de photos n’est alors plus réservée aux agences de presse et se met à la portée de pratiquement tout le monde, ce qui aura aussi pour conséquence de donner le jour à un développement important de pratiques amateurs jusqu’alors inédites.

C’est donc à partir de 1990 que tout se précipite.

Outre la naissance de Photoshop, on y voit apparaitre le premier appareil entièrement numérique, le Fotoman de Logitech qui affiche 320 x 240 pixels directement sur l’écran de l’ordinateur. Cette faible résolution ne permet pas vraiment une utilisation professionnelle, mais il ouvre une perspective, il montre ce qui pourrait être un chemin vers quelque chose qu’on percevait dans le très lointain. [3]

En 1991 Kodak lance le système DCS.

Il s’agit d’un Nikon f3 muni d’un dos numérique à capteur CCD relié à une unité de stockage avec batteries et écran de visualisation. Ça commence à prendre forme, mais c’est encore lourd ;-)

© Musée suisse de l’appareil photographique Vevey

Toujours autour des années 1990, on assiste à la naissance de divers procédés de prises de vue basés sur l’utilisation d’un scanner en guise de dos pour des chambres techniques en grand format (Sinar). Le procédé ne permet évidemment pas l’instantané, il est lourd, lent et cher. Beaucoup de photographes de studio continuent de photographier sur du film grand format qui est ensuite scanné pour répondre à la demande des clients qui prennent goût aux avantages du traitement numérique.

1992. Le Photo CD.

Le CD-ROM, apparu en 1985, servira de base à Kodak pour le développement du Photo CD. Pendant quelques années, ce service qui scanne les photos argentiques pour les stocker, les lire et les traiter sur un ordinateur sera une passerelle très fréquentée pour accéder à des photos de provenance argentiques en haute résolution sur un ordinateur.

Dès 1995 apparaissent les premiers appareils numériques

s’adressant au grand public. Peu performants à nos yeux d’aujourd’hui, ils restent chers et s’adressent donc à des passionnés de technique. Mais le petit miracle de l’image qui apparait instantanément sur le petit écran incorporé fait son effet, tout comme sa disponibilité immédiate sur son ordinateur. En quelques années l’industrie met au point des appareils de plus en plus puissants et - grâce à une diffusion élargie - parvient à abaisser le prix des appareils.

Un Mavica de 1998

© Musée suisse de l’appareil photographique Vevey

De cette époque datent différentes approches des systèmes de visée. Ceux-ci ont une importance, non seulement sur le confort et les performances, mais aussi sur les prix et, finalement, sur les catégories de public auxquelles ils s’adressent. Le viseur optique traditionnel fait souvent partie de l’équipement de base, mais il est moyennement apprécié et on lui préfère généralement la visée directe au moyen de l’écran. C’est ce double système qui équipe encore la plupart des appareils d’entrée de gamme. Mais le besoin d’une visée reflex se fait sentir. Pour pallier à la difficulté de sa réalisation (et aux prix qui en découle), on voit apparaitre des appareils « bridge » qui procurent une vision de type reflex (c. à d. à travers l’objectif) mais en vidéo, à la place d’une vision optique directe. Ce système ingénieux a été, à mon avis, injustement décrié par des puristes et on n’en trouve plus guère aujourd’hui. Les vrais appareils reflex , chers, finiront par séduire les amateurs-experts tout comme les pros. Mais ce n’est que récemment que l’industrie est parvenue à proposer des appareils reflex permettant aussi de viser au moyen de l’écran.

En 1999 apparait le reflex numérique Nikon D1.

Avec son capteur de 2,74 mégapixels (battu en brèche aujourd’hui par le moindre des camphones ;-) on le considère comme le premier reflex de niveau professionnel. C’est vers cette époque que débute une course vertigineuse aux performances. La concurrence acharnée que se livrent les différentes marques en laissera quelques unes sur le carreau.

C’est entre 2003 et 2004 que les préférences technologiques

des amateurs comme des professionnels basculent vers le numérique. Il est intéressant de constater ici que c’est le développement des appareils amateur qui a mené à la réalisation des appareils reflex performants s’adressant aux professionnels. (Dans beaucoup d’autres domaines industriels, on prône un modèle inverse, qui va des matériels de pointe pour les pros vers des applications grand public.) Les photojournalistes, pressés par leurs rédactions, sont les premiers à s’en servir. Mais ils n’y croient pas trop et doublent encore souvent leurs prises de vues en argentique. Du côté des appareils de studio, les dos numériques bénéficient des mêmes progrès technologiques et deviennent extrêmement performants, atteignant parfois les 50 millions de pixels. Leur dimension de 6 cm de côté permet de diminuer le format des chambres à banc optique.

Le photographe Alec Jackson lors d’une compétition de golf le 6 septembre 2008, transportant un double équipement argentique et numérique

© Bernard Menettrier

Pour bien comprendre les phénomènes qui ont contribué à l’émergence du numérique, il faut aussi prendre en compte des aspects techniques peu visuels, mais qui sous-tendent tout son développement. Par exemple, la constante augmentation de la puissance de traitement des ordinateurs ainsi que des capacités de stockage ont été déterminantes. L’histoire des logiciels, très peu spectaculaire aussi d’un point de vue visuel, est un pan de cette histoire qui reste à étudier.

Les moins jeunes des visiteurs éprouveront un étonnement bizarre en découvrant cette courte tranche d’histoire. De revoir dans une perspective historique, des objets qu’ils ont côtoyés, sinon utilisés, procure un étrange sentiment : celui d’avoir participé un tout petit peu à l’histoire ;-) Les plus jeunes pourront mesurer que des objets qu’ils considèrent comme allant de soi ne sont guère plus âgés qu’eux.

L’exposition présente une vidéo faite d’interviews d’une dizaine de photographes de l’USPP (Union Suisse des Photographes Professionnels) au sujet de leur première photo numérique. Ces quelques témoignages sans prétention, sont toutefois très révélateurs de l’état d’esprit, fait de retenue et de réticence, qui a présidé à l’adoption du numérique par les pros. Les amateurs, qui certes n’avaient rien à perdre, n’ont pas fait tant d’histoires ;-) La plupart n’avaient d’ailleurs jamais pratiqué l’argentique auparavant. La vidéo est visible sur YouTube en 2 parties.

Son objet étant en plein développement, l’exposition s’ouvre à quelques développements actuels autour de l’imagerie numérique. C’est ainsi que des travaux de divers chercheurs sont présentés et animés par des démonstrations... interactives ! Particulièrement remarquables, sont les expériences du Laboratoire de communications audiovisuelles de la Faculté informatique et communications de l’EPFL (École Polytechnique Fédérale de Lausanne) qui portent sur des développements dans le domaine de la réalité augmentée ou sur la photographie dans l’infrarouge proche permettant la correction instantanée et automatique d’imperfections du visage. L’Imaging & Media Lab de l’université de Bâle présente, pour sa part, des travaux permettant de restituer les couleurs originales d’anciens tirages couleur qui, comme tout le monde a pu le constater, disparaissent irrémédiablement. (J’entends d’ici hurler les chercheurs en histoire visuelle ;-)

Je reviendrai peut-être ultérieurement sur cette partie de l’exposition, mais en attendant, je vous invite à découvrir par vous-mêmes les expériences évoquées ci-dessus et d’autres encore, directement au musée.

Signalons qu’à l’exception de la partie traitant des recherches actuelles, ce nouveau dispositif d’exposition est appelé à durer, car il est la première partie d’une refonte plus générale du musée. L’exposition dans sa forme actuelle est visible jusqu’au 31 décembre 2010.

Robert Delpire

est l’objet de plusieurs expositions. Les photographes, mais aussi les graphistes, illustrateurs et autres designers doivent beaucoup à cet éditeur et directeur artistique touche-à-tout. Le grand public connait surtout la collection Photo Poche qu’il édite depuis 1982. Mais il a commencé dès les années 50 en éditant des photographes peu connus à l’époque, tels que Cartier-Bresson, Brassaï, Doisneau, Lartigue, Bischof ou Robert Franck (Les Américains). Il fut un brillant directeur artistique publicitaire. Ses pubs pour Citroën (dont quelques exemples sont exposés) sont insurpassées sur le plan formel et pour leur souffle novateur. Beaucoup de pubs d’aujourd’hui ont l’air bien convenues et frileuses à côté. Dans les années 70, il fit aussi beaucoup pour promouvoir les livres pour la jeunesse, alors en plein renouveau, avec des illustrateurs tels que Maurice Sendak (Max et les Maximonstres), Gervasio Gallardo, André Le Foll, Étienne Delessert, etc.

Nan Goldin

Autant dire tout de suite que je goutte peu aux photos de Nan Goldin. Ni ses hantises, ni leur forme ne me touchent. Commissaire invitée de ces Rencontres, elle a aussi le privilège d’y inviter ses amis. Je m’attendais au pire et je fus bien servi ! Mais j’y ai quand même trouvé quelques pépites fort respectables telles que Christine Fenzl (Streetfootball) ou Boris Mikhailov. La belle découverte fut pour moi la série de photos de Camden de...

Jean-Christian Bourcart

Il raconte : « C’est absurde, mais j’ai juste cherché sur le Web la ville la plus dangereuse des États-Unis. Je voulais retrouver cette étrange énergie qui se dégage des lieux où les règles et les contraintes sociales sont abolies ou affaiblies. Un sentiment de liberté mêlé à l’excitation du danger. Je voulais m’assurer qu’il est encore possible d’aller vers les autres, si éloignés, si étrangers qu’il nous paraissent. En tête de liste, j’ai trouvé Camden, New Jersey, à deux heures de New York... » Sa série est émaillée de ses textes manuscrits. C’est peut-être ce qui fait la magie de cette série et son humanité. C’est tout bête : quand on peut lire l’histoire qui se passe autour des photos et dans la tête du photographe, ça fonctionne bien mieux !

Une autre exposition de Jean-Christian Bourcart se déroule dans un autre lieu. On y voit des images de la série Traffic : portraits de passants photographiés derrière la vitre de leur voiture au feu rouge ou de l’autobus qui passe. On croit pénétrer dans un petit bout de leur intimité, mais il y a toujours une vitre qui nous sépare d’eux. D’ailleurs, on ne fait que se croiser sans jamais pouvoir s’arrêter. Jean-Christian Bourcart est français, il vit et travaille à New York. D’autres séries bien vues sont à voir sur son site ici. On y retrouvera, par exemple, celle qu’il exposait aux Rencontres de l’année passée : The Most Beautiful Day of my Life, photos de mariages pas assez réussies pour être vendues.

Les expositions du Prix Découvertes de cette année m’ont paru d’un très bon niveau et ont retenu longuement mon attention, et ce, malgré la chaleur toujours accablante des Ateliers. Dans cette section, les photographes (ou artistes utilisant la photographie) « émergents » sont présentés et parrainés par un ancien directeur artistique des Rencontres.

Adrien Missika

(présenté par Michel Nuridsany), avec sa série Space between, nous emmène dans des espaces incertains, sans repères spatio-temporels, qui pourtant attisent notre curiosité par leur étrangeté. Nous nous attendons à trouver des images documentaires alors que leur provenance n’est souvent qu’un « recyclage » d’objets n’ayant rien à voir avec ce que nous pensions qu’ils fussent. Son site propose d’autres étranges images. Adrien Missika est français et vit en Suisse à Genève.

Magda Stanova

(présentée par Joan Fontcuberta) réfléchit aux diverses fonctions et attentes suscitées par la photographie. Ses textes sont présentés, sous forme manuscrite, accompagnés de petites photos ou dessins, dans une série sous-verres qui évoque les pages d’un grand cahier tenu par une collégienne appliquée. Mais la comparaison s’arrête là, car les réflexions de Magda Stanova sont frappées au coin du bon sens. Elles témoignent d’une grande fraîcheur d’analyse et dénotent un don d’observation aiguisé.

Rien d’étonnant à ce que la jeune artiste ait été repérée par un Joan Fontcuberta, brillant théoricien des images et illusions photographiques. Son site est à voir ici, mais je n’y ai pas trouvé le travail exposé à Arles. Magda Stanova est née en Slovaquie. Elle étudie à Bratislava, à Zürich et actuellement à San Francisco.

Rimaldas Viskraitis

(présenté par Martin Parr) nous fait visiter les fermes d’un autre âge des campagnes de Lituanie. On y rencontre des habitants démunis de tous les gadgets de la civilisation moderne. Ils semblent loin d’en être malheureux. L’alcool est produit à la ferme et préside à des fêtes qui nous paraissent un peu délurées, voire irréelles. Certains lendemains doivent être bien difficiles, mais c’est sûrement le seul prix qu’on puisse payer pour exister, pour tenir, pour faire du ciment social, quand on vit dans le dénuement. Ses personnages, bien qu’ils nous paraissent un peu étranges dans leurs comportements, suscitent une empathie immédiate. Rimaldas Viskraitis vit et travaille en Lituanie. Avec cette contribution, il remporte le Prix Découvertes. On peut voir quelques images de cette exposition ici.

Véronique Ellena

(présentée par Christian Lacroix) montre ici une série de natures mortes, tout à la fois sobres et chargées. La simplicité extrême des compositions, frontales, centrées, comme allant de soi, nous fait pénétrer au coeur du sujet (simple, lui aussi). Mais celui-ci entre véritablement en résonnance avec son environnement par le jeu des matières dont les structures de surface nous font apparaitre toute la complexité d’une organisation qui n’a rien de lisse. Ainsi, cet apparent dépouillement nous fait paradoxalement ressentir toute la complexité qui va de la vie à la mort (rien que ça !). Véronique Ellena vit et travaille en France. Beaucoup de belles séries sur son site, dont celle (Natures Mortes) exposée à Arles.

Yang Yongliang

(présenté par Claude Hudelot) nous présente des photomontages d’immeubles-tours et autres gracieusetés architecturales pour pays en mal d’affirmation de niveau de développement. Ses compositions s’inspirent des règles esthétiques du shanshui. J’ai trouvé cela totalement, vraiment, mais complètement kitsch ! Qu’on me pardonne cette appréciation à la louche, car il semble que je ne sois pas tout à fait équipé culturellement pour comprendre cette esthétique et cette démarche. Le site de Yang Yongliang se visite ici. Il vit et travaille à Shanghai en Chine.

Restons dans les Ateliers pour signaler d’autres expositions valant de braver les conditions climatiques...

Brian Griffin

pour « son approche non conventionnelle du portrait institutionnel ». Cette série (St.Pancras) est à voir sur son site, ici.

Martin Parr

s’est immergé dans des réceptions mondaines. Anthropologie chez les tribus bling bling et autres groupes apparentés. La série Luxury, est présentée en projection avec une création sonore de Caroline Cartier. Certaines photos sont visibles sur son site, ici.

Joan Fontcuberta

présente un projet qui part de la scène où Thomas, le photographe du film Blow Up d’Antonioni, réalisait des agrandissements. En reprenant ces agrandissements, à partir d’un duplicata en 35 mm du film, Fontcuberta atteint les limites de l’intelligibilité du matériel filmique et nous fait prendre pleinement conscience d’une des frontières de la représentation. On peut se demander pourquoi il ne s’est pas immiscé plus profondément dans la fiction en reprenant directement les photos utilisées dans le film... Le résultat visuel final aurait toutefois été le même. Ces photos pourraient être retrouvées ou reconstituées, elles ont été prises par Don McCullin qui avait été engagé sur le film pour cela.

Giorgia Fiorio

poursuit une longue quête à travers le monde pour recenser les diverses manifestations des communautés humaines dans leur relation au sacré. Magnifiques photos de ce qui fait l’essence des civilisations.

Attila Durack

a visité les peuples de la Turquie et de l’Anatolie. Il en rapporte de splendides portraits de groupes soulignant à la fois leur singularité et leur ouverture. Petite réserve : les grands formats, montés sous un plexi ultra brillant, présentent des couleurs un poil trop claquantes. On peut voir quelques photos du projet Ebru ici.

Plus je parcours le programme des Rencontres et plus je me convaincs que cette histoire de Rencontres/Ruptures est vraiment capilotractée et, pour tout dire, contreproductive ! (p. ex. je ne comprends pas que la section Prix Découverte, soit classée dans Rencontre plutôt que dans Ruptures !) Même la production qui aujourd’hui nous parait académique a un jour été dans la rupture. Il est pratiquement impossible pour un photographe d’émerger s’il ne se situe pas à un certain moment, voir en permanence, dans ce type de démarche consistant à se démarquer du « classicisme » des anciens. Mais il ne faut évidemment pas que cette rupture soit le seul moteur créatif, car on obtient alors un discours vide de sens, dont le seul moteur est la provocation. Il y a quelques photographes à Arles cette année, qui me semblent bien installés dans cette logique. Le seul intérêt de la prise en compte de cet aspect est peut-être historique... Il peut être, en effet, intéressant d’analyser comment et pourquoi un photographe se trouve en rupture à un instant T et comment s’articule sa démarche. Mais bon... il s’agit là d’un débat bien spécialisé qui n’est de toute façon pas mis en évidence dans la muséologie des Rencontres. Revenons au centre-ville...

Lionel Roux

présente des photos d’une grande beauté plastique qui sont le fruit d’un long travail sur les activités pastorales dans de nombreux pays tels que l’Éthiopie, la Grèce, l’Afrique du Sud, la Roumanie, l’Italie et la France. La place des transhumances y est revue à travers des réalités économiques et culturelles toujours vivaces dans ce siècle. On peut voir ses photos sur son blog (choisir un pays dans la colonne de droite). Lionel Roux est arlésien et vit toujours à Arles.

Duane Michals

continue de nous étonner avec ses séries poétiques, souvent drôles et incroyablement justes. À 70 ans passés, il parait d’une fraicheur juvénile tout en ayant la profondeur d’un vieux sage. Ses séquences de photos, souvent munies de textes manuscrits, découpées comme des scènes d’un film ou d’une BD racontent la vie, l’amour, la mort. La narration est limpide même quand les sentiments exprimés sont complexes et débouchent sur des abîmes de questionnements. Sous des dehors volontiers farceurs il exprime des états de la condition humaine dont le public saisit le sens instantanément, il suffit de voir les sourires amusés des visiteurs. On a peine à croire aujourd’hui que la production de Duane Michals ait pu bousculer le monde de la photographie. Mais peut-être que le public comprend spontanément des choses que les « spécialistes » ne peuvent valider qu’après d’initiatiques procédures ?

Without Sanctuary

est une exposition présentant des documents insupportables. Nous savions tous vaguement que des lynchages d’esclaves noirs avaient eu lieu il y a bien longtemps aux États-Unis. Les images que nous voyons dans cette exposition ne sont pas juste des photos documentaires de ces malheureuses victimes - ce qui en soi est déjà insoutenable - non, ce qu’on découvre est une véritable ferveur populaire qui entoure ces séances de tortures. Beaucoup de ces images sont des cartes postales qu’on s’échangeait volontiers, qu’on encadrait, qu’on plaçait en évidence chez soi, comme des trophées de chasse. Ces photos étaient également utilisées pour menacer les Noirs, faisant ainsi partie - de manière informelle - du dispositif répressif. L’apparition de la photo, qui correspond grosso modo à la date de l’abolition de l’esclavage (1865) apporte ainsi un certain réalisme à ces pratiques ignominieuses qui continuaient de proclamer la suprématie des Blancs pendant des dizaines d’années après l’abolition, jusqu’à ce que des pétitions y mettent fin, du moins légalement.
Pour vous réconcilier avec le genre humain, traversez la place pour visiter l’exposition consacrée à...

Willy Ronis

Tout a déjà été dit sur ce très grand photographe humaniste qui a couvert de son regard attentif et bienveillant une grande moitié du 20e siècle. Pour une courte biographie, je vous renvoie au billet que j’ai consacré à sa célèbre image Le nu provençal et aux liens en fin de billet. Willy Ronis a 99 ans cette année. Un important sponsor de l’exposition est un établissement d’assurance sur la vie - cela ne s’invente pas !

Rencontres photo d’Arles

Il y a 66 expositions. Elles sont ouvertes jusqu’au 13 septembre, mais attention, certaines ferment dès le 30 août ! Pour le programme complet, visitez le site des Rencontres.

Exposition de photos en plein air, au mois de mai à Séville. Dans une avenue où l’on s’attend à trouver des affiches publicitaires, il est toujours surprenant d’y découvrir des panneaux géants qui n’affichent ... « que » des photos. Légère confusion et surprise pendant un court instant, car leur esthétique est proche de celle qu’emprunte souvent la photo publicitaire de mode. Mais à y regarder de près, il n’y a pas d’équivoque : ces images n’ont rien à nous vendre. Le propos de la photographe Angèle Etoundi Essamba est centré sur les personnes. Les femmes africaines qu’elle nous « dévoile » affichent une beauté puissante et délicate, tantôt soulignée, tantôt dissimulée, par les drapés des étoffes de couleurs vives et franches. Ces toiles et ces voiles, pourtant agencés avec simplicité, évoquent les plis savants des plus grands couturiers. Dans ce foisonnement de tissus, les regards se découvrent et s’affirment. Entre tradition et modernité, ce sont des femmes d’aujourd’hui. (Et aucune loi, même avec les plus beaux prétextes, ne les fera accélérer [1])

L’Avenida de la Constitution est presque trop large pour n’appartenir qu’aux piétons, aux cyclistes et à quelques rares trams. Le théâtre de ces froissements d’étoffes - qui montrent plus qu’elles ne cachent - y trouve un espace idéal. Mais il est vrai que la plupart des passants (sûrement des habitués !) ne regardent pas les photos. Les touristes, eux, sont souvent plus réceptifs. Ils sont venus pour s’en mettre plein la vue et ce genre de surprises fait partie de la fête. On dira ce qu’on veut des touristes, mais ils font souvent preuve d’une grande disponibilité. (Quand je suis touriste, je grimpe dans tous les clochers qui se visitent, alors que chez moi, je ne suis jamais monté sur la tour de la « cathé », pourtant fréquentée par tous les touristes de passage !)

L’exposition Desvelos (dévoilées) a été organisée dans le cadre de Territorios Sevilla, XII Festival Internacional de Música de los Pueblos du 24 avri au 8 juin 2009. Angèle Etoundi Essamba est une photographe camerounaise installée aux Pays-Bas. Il y a beaucoup de photos à voir sur son site. [2] Son livre Voiles et dévoilements est disponible ici. Dans une interview à CamerounLink, elle déclare :
« ...le voile que je montre est celui qui ose, qui invite, qui séduit, parce qu’il autorise justement le geste du dévoilement.
Et plus loin :
C’est un sujet sensible, qui porte sur le rejet, le refus de la différence et donc touche directement l’identité même de l’être humain. Ce travail vise aussi à changer les regards et à susciter une réflexion sur toutes les formes d’exclusion dans notre système social. »

Dans le cadre du festival Images’08, le Musée Jenisch de Vevey (Suisse) présente une exposition rétrospective du photographe suisse Balthasar Burkhard constituée d’environ 80 oeuvres, dont une trentaine d’héliogravures. Reconnaissances, le titre de l’exposition, prend tout son sens avec la muséologie intelligente qui y est mise en oeuvre. Elle est empreinte d’une élégante sérénité qui prédispose à la contemplation. Les images ont été choisies et mises en scène de manière à relier les thèmes très divers abordés par l’artiste depuis 40 ans et à rendre intelligibles certaines constantes de son oeuvre. Qu’il photographie des corps, des déserts, des montagnes ou des animaux de foire, Balthasar Burkhard nous montre la vie débarassée des hardes de la réalité apparente et dont il ne reste souvent qu’une peau, ultime barrière dont le grain visible, magnifié, peut nous faire ressentir la substance jusqu’au frisson.

Un éléphant au musée

© Balthasar Burkhard - re photographié par B. Brüsch ©

Les grands formats sont constitutifs de beaucoup d’oeuvres de Burkhard (en 1983, il expose à la Kunsthalle de Bâle 2 nus de 8 et 13 m de long). La mise en scène de ses photos, du support à l’accrochage en passant par l’encadrement, fait partie de la démarche du photographe. Il accompagne ses images jusque vers le spectateur pour que leur perception soit des plus fertiles. Ces photos ne se laissent pas enfermer dans des livres ou des portfolios numériques sans y perdre un peu (beaucoup ?) de leur âme. C’est véritablement sur des cimaises qu’elles trouvent leur respiration, c’est pour cela qu’elles ont été faites.

Maiko, 1987

© Balthasar Burkhard - re photographié par B. Brüsch ©

Comme une exposition dans l’exposition, l’intégralité de l’oeuvre gravée de Burkhard est présentée. [1] On change radicalement de format, mais ce n’est que pour mieux se délecter de cette obsession de la matière qui habite toute l’oeuvre de Burkhard. Le procédé de l’héliogravure [2], d’une riche complexité, lui permet de doser à l’infini les matières dans des nuances de gris, tantôt saturées, tantôt diaphanes, de surfaces veloutées que l’on voudrait toucher. Les estampes ont toutes été réalisées dans l’atelier d’impression en taille douce de St-Prex.

Balthasar Burkhard est né en 1944. Il est engagé comme photographe documentaliste à la Kunsthalle de Berne dirigée alors par Harald Szeemann. C’est dans ce contexte qu’il s’éveille à l’art contemporain. Au bout de quelques années de séjour aux USA, il commence à exposer à Chicago (1977) puis à New York (1979). Dès les année 80 il expose dans le monde entier ses formats monumentaux. Depuis son séjour au Japon (1987) il abandonne les grands formats et réalise des vues plus intimistes. Ses premières héliogravures datent de 1992.

L’exposition est réalisée conjointement avec le Musée d’Art moderne et contemporain de la Ville de Strasbourg où elle a été présentée durant cet été. Elle sera visible au Musée Jenisch jusqu’au 11 janvier 2009.

Un catalogue est disponible : Balthasar Burkhard, Reconnaissances 1969-2007 / Recognitions 1969-2007 - Editions des Musées de la Ville de Strasbourg / Musée Jenisch Vevey, 2008 - Bilingue français-anglais, 144 pages, 100 illustrations, broché - Auteurs : Julie Enckell Julliard, Patrick Javault, Guillaume Le Gall, Dominique Radrizzani - ISBN : 978-2-35125-062-4 Diffusion : Le Seuil Prix : CHF. 55.- / € 36

Images’08 se déroule depuis le 11 septembre à Vevey (Suisse) jusqu’au 30 septembre. Ce festival des arts visuels proposait des expositions de photographies, une programmation cinéma et des concours internationaux. Voir le détail ici. J’ai été vivement intéressé par l’ensemble de ces propositions très alléchantes. Le nombre d’expositions annoncées et la qualité des intervenants laissaient supposer une programmation rivalisant avec les plus grands festivals ! Mes attentes ont été un peu déçues. Bien qu’il y eut quelques beaux effets (comme la photo ci-dessous, de Geert Goiris, surgissant au détour d’une place), l’ensemble m’a laissé une impression d’émiettement et d’inaboutissement. Il y avait « de tout un peu ». J’ai trouvé que les expositions en plein air manquaient de « souffle » et de densité. Elles étaient excessivement discrètes, bien sages et bien rangées, un peu comme si on voulait ne pas déranger. Un chaland, pas informé de la manifestation, aurait pu ne rien remarquer !
Je sais que quantité ne rime pas forcément avec qualité. En l’occurrence, je pense qu’ici on aurait pu réduire la quantité d’expositions (ou de photographes) et augmenter la quantité d’images montrées par photographe. Mais c’est peut-être moins vendeur.

Grand prix international de photographie 2008, Geert Goiris (Belgique)

© Geert Goiris - re photographié par B. Brüsch ©

La photo géante de Peter Garfield spectaculairement plaquée sur un silo à grain a fait florès dans les journaux locaux. On se réjouit donc de voir l’exposition des autres photos de l’artiste... Une signalétique plus que discrète nous mène finalement dans les combles du Musée historique pour découvrir juste 5 ou 6 photos (de mémoire) et une installation vidéo. Frustrant.
Une autre photo géante sur une façade, due à Renate Buser, nous met l’eau à la bouche. Mais il n’y a rien d’autre à voir de cette artiste à la démarche pourtant passionnante. Frustrant.
Allons voir l’exposition en plein air de Chris Jordan, dont les photos jouent sur l’accumulation de rebuts d’objets de consommation... 6 panneaux (dont un d’explications). Nous sommes loin de l’effet d’accumulation ! Décevant.
Des photos de Gilbert Garcin, imprimées sur un support souple, étaient à voir à la Grenette. L’effet était assez réussi. Continuons donc la visite en allant voir l’exposition de ce photographe que présente la Galerie Clément. J’y étais un dimanche (oui, des fois je travaille en semaine) : fermé ! Alors que la Galerie Arts et Lettres, qui ne participe pas à la manifestation est ouverte le dimanche. On ira donc voir la suite sur le site internet de Gilbert Garcin : 365 photos... à regarder en plusieurs fois, car on se lasse même des meilleures choses ;-)
Les photos de Nicolas Righetti (série Love me - WordlPress 07) sont placardées dans un passage sous-voie pas vraiment facile à trouver. Un peu sombre... mais bon, pourquoi pas ?
J’ai cherché vainement les photos de Denis Darzacq... j’ai appris qu’il aurait fallu lever la tête... Tant pis, c’est sûrement de ma faute !
Je m’arrête ici pour ne pas faire de ce billet une revue de détail. Je voudrais cependant relever que les « institutionnels » de la place tirent très bien leur épingle du jeu.

Le Musée Suisse de l’appareil photographique nous présente 3 expositions (jusqu’au 4 janvier 2009) :
 Un bel hommage au très attachant photographe Yvan Dalain, disparu en septembre 2007.
 Une exposition sur une petite merveille de la technique (et fierté nationale !) : la Sinar, caméra technique, modulaire, pour les grands formats professionnels.
 Ambroise Tézenas : Pékin, théâtre du peuple. On peut juste regretter que l’exiguïté des locaux nous prive de voir plus de tirages (étonnants) de ce photographe qui travaille en pleine rue avec une chambre Sinar. On se consolera avec le diaporama.

Le Musée Jenisch, de son côté, présente une impressionnante exposition de Balthasar Burkhard dont je vous parlerai prochainement.