Mots d'images

Jamais encore la notion de contexte (ou de « contextualisation ») en rapport avec des images n’avait autant circulé que ces dernières semaines. Tout aussi rarement a-t-on pu constater à quel point les blessures de l’histoire étaient si inégalement cicatrisées.
« ... la plus importante polémique occasionnée par une exposition de photographies en France. » C’est ce que nous dit André Gunthert dans son dernier billet consacré à l’exposition des photos d’André Zucca, « Les Parisiens sous l’Occupation ». Vu de mon île, le débat me semble en effet extrêmement nourri et passionnant, même dans ses contributions les plus sommaires. N’ayant pas l’opportunité de me rendre dans ces quarantièmes rugissants, je me préparais néanmoins à établir une petite chronologie hyperliée des événements, façon de prendre dates et références. Mais c’est chose déjà faite par Audrey Leblanc sur cette page qui a le grand mérite de « recontextualiser » les différentes interventions, ce que n’aurait pu faire la simple liste de liens que je m’apprêtais à réaliser ! Mais Audrey Leblanc « oublie », probablement par une retenue qui est tout à son honneur, de citer tous les billets parus sur ARHV autour de ce sujet. Les voici donc, en ordre chronologique, avec quelques citations :

• Le mensonge d’un artisan, la réalité d’un artiste - 23.04.08
(recension de l’émission d’ASI sur le sujet)

• De la valeur absolue historique d’une image - Audrey Leblanc - 28.04.08
... « Le livre-catalogue n’est d’ailleurs pas rangé au rayon histoire ni photographie dans les librairies mais plutôt au rayon Paris : il vend parfaitement l’image très construite de ce qu’est le cliché parisien. »
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... « Abstraction ou « indifférence » dans l’attitude des organisateurs de l’exposition qui insistent sur les prouesses techniques et la dimension esthétique de ces images et participent dans leur choix à une représentation “clichéïque” de Paris pendant cette période. Comme si on voulait nous faire croire à ces regards qui voient sans que cela ne les regarde. »

• La défaite de la photographie - André Gunthert - 16.05.08
(Ce billet ne parle pas directement des images de Zucca. Mais quel bonheur, pour un blogueur suroccupé de pouvoir piocher aussi opportunément dans sa réserve de textes de derrière les fagots ;-)
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« ...les principales limitations à l’usage de la photographie pour figurer un conflit proviennent des caractéristiques du médium lui-même : à l’inverse de la plasticité offerte par le dessin ou le montage, le témoignage photographique se présente comme une matière plus rugueuse, une image "sale", visiblement moins malléable, moins à même de se prêter à la recomposition des significations. »

• André Zucca, la couleur rêvée - André Gunthert - 18.05.08
... « Comme tout enregistrement, une photographie présente l’équivalent de ce qu’on appelle en électronique un rapport signal-bruit (où le signal est l’information recherchée, le bruit, l’information inutile). Privés de l’information qui permettrait de comprendre ce que le photographe a voulu montrer – le signal –, les spectateurs de ces photos déshistoricisées ne perçoivent plus que des détails insignifiants, livrés aux jeux de l’interprétation – le bruit. »

• Sur ViteVu : Voir/Ne pas voir l’occupation - Michel Poivert - 24.04.08
... « ... la conscience individuelle prime toujours sur la conscience collective. Zucca nous renvoie aussi, du fond de l’histoire, un miroir déformé mais aussi inquiétant de nous-mêmes. »

Mises à jour : Plusieurs conférences/débats ont été organisées autour de cette exposition...
• D’Atget à Zucca, ou comment naissent les légendes - André Gunthert - 12.06.08
• Le numérique révise l’histoire, ou André Zucca à Disneyland - André Gunthert - 21.06.08 « J’ai enfin pu accéder aux diapositives originales d’André Zucca à la BHVP... »
Un intéressant débat sur la restauration des photos.

L’exposition « Controverses » présente 80 photos qui ont été sujettes à de grands débats légaux, éthiques, économiques, politiques, etc. Depuis son ouverture, le 5 avril, le Musée de l’Élysée (Lausanne - Suisse) ne désemplit pas : 1400 visiteurs le premier week-end. J’y suis allé dimanche passé : jamais vu autant de monde dans ce musée ! Mais qu’est-ce qui fait courir les gens pareillement ?
Je ne crois pas qu’on puisse parler de voyeurisme, du moins au premier degré. Peut-être que certains ont bien retenu que désormais, certaines images ne pourraient plus être vues qu’avec la caution d’un encadrement didactique ou muséal et munies de l’appareil critique idoine ? Les médias d’ici ont fait grand cas de cette exposition en la présentant comme une somme exceptionnelle de cas litigieux. Un peu, sans le dire, comme le point définitif sur la question, en n’omettant pas de signaler (et de montrer) quelques images-chocs. Le public, qui sait bien qu’« il se passe de drôles de choses » avec les images, qui se souvient pêle-mêle de plusieurs « affaires », qui est parfois aussi choqué par des images, est probablement « mûr » pour vouloir en découdre. C’est devenu le truc à voir en ce moment ! [1]
Et c’est vrai qu’il y a à voir. Et surtout à lire ! Ce qui frappe en parcourant l’expo est que chaque cas est unique et présente son propre contexte socio-culturel. Les tenants et aboutissants de certaines affaires qu’on croyait proches peuvent être diamétralement opposés. Un des mérites exemplaires de cette exposition est l’étendue des sujets exposés. Elle englobe toute l’histoire de la photo, montrant par là l’universalité des problèmes soulevés, mais aussi les changements de leur perception au fil du temps. Elle permet de constater qu’il n’y a pas de problème type, ni de solutions définitives, que tout est affaire de mesure, de pondération, d’analyse. Ceux qui venaient y chercher la solution à leur malaise pour certaines images en ressortiront probablement avec leurs convictions originales, mais au moins, auront-ils pu prendre toute la mesure des problèmes soulevés. Faut-il le préciser, tous les cas exposés le sont avec un point de vue non seulement éthique, mais surtout légal, et quand il y a lieu, avec la description de leur épilogue judiciaire. Pour illustrer cette thématique, il est tout à fait indiqué de revoir quelques unes des images transgressives d’Oliviero Toscani pour Benetton. Que cela plaise ou non, ces provocations soigneusement orchestrées et largement diffusées ont joué un grand rôle dans le public, pour la prise de conscience de la force et du fonctionnement des images. Vous trouverez l’intégralité des campagnes Benetton ici.
Le livre-catalogue reprend toutes les photos de l’expo avec des textes bien plus détaillés : Controverses, une histoire juridique et éthique de la photographie - Girardin Daniel, Pirker Christian - Edit. Actes Sud / Musée de L’Élysée - ISBN : 978-27427-7432-6 - 75.00 CHF/45 Euro TTC

Revue de presse (florilège) :
• Le Courrier - Samuel Schellenberg - 12.04.08
L’art de la discorde
• Swissinfo.ch - Carole Wälti - 14.04.08
Retour sur des images controversées
• Tribune de Genève - Étienne Dumont - du 04.04.08 :
Christian Pirker et les « Controverses » photographiques.
Interview de l’avocat genevois, cocommissaire de l’exposition
• Tribune de Genève - Étienne Dumont - du 05.04.08 :
L’Elysée raconte la bataille des images.
« Controverses » montre les rapports entre photo, droit et éthique.
• 24 heures - Boris Senf - 07.04.08 _Les dessous de la controverse.
Garry Gross, auteur de la photo de Brooke Shields âgée de 10 ans, nue dans une baignoire, revient sur le contexte de cette image. Interview.
• 24 heures - 02.04.08
Controverses : Une expo du Musée de l’Élysée.
Diaporama

24.02.09 : Les liens tracés ci-dessus ne sont plus valides. Le maintien d’archives en libre accès ne fait pas partie du modèle économique d’Edipress.

Dans un billet récent - Garanti sans retouches - je vous entretenais de questions de légitimation qui semblent se poser pour des photos se situant aux limites de la crédibilité. En fin de billet, je me demandais : certaines photos devront-elles à l’avenir revendiquer ouvertement une authenticité ? Laurent Laveder - le photographe du ciel breton, dont je vous parlais ici - présente sur son site une photo, réalisée il y a quelques jours, d’une lune agée de 15 h 38 minutes. Cela ne dit rien aux béotiens en astronomie, mais il faut savoir que ce croissant est alors tellement ténu qu’on ne peut le distinguer à l’oeil nu. Il faut pour le voir, consulter des éphémérides, puis regarder au bon endroit, au bon moment, avec de bonnes jumelles (et prier qu’il n’y ait pas de nuages). Les plus fins croissants de lune que nous avons tous admirés à l’oeil nu ont toujours plus de 24 heures.
Si je vous présente cette photo, ce n’est pas pour en vanter les qualités (bien réelles, au demeurant ;-), mais c’est pour attirer votre attention sur la petite animation (ici : Flash ou gif) que Laurent nous montre dans la foulée. Cette animation se positionne sans le vouloir, comme une attestation de véridicité. Et ce faisant, elle apporte une réponse possible à mon questionnement, ou du moins, elle met en en lumière une différence de crédibilité entre une photo et son pendant animé. La véridicité de ce dernier est à mon avis bien plus difficilement contestable que celle de la photo du même évènement. Tout le monde peut retoucher une photo, alors que pour une vidéo (qu’elle soit amateur ou pro) c’est une autre paire de manches. Autrement dit, une vidéo est (aujourd’hui) bien plus crédible qu’une simple photo.
Ces points de vue, autour des nouvelles fonctions respectives de la photo et de l’animation, avaient été également abordés dans la discussion qui a suivi la conférence d’André Gunthert de vendredi passé. Je ne pensais pas alors, trouver rapidement un exemple aussi éloquent.
L’animation évoquée ci-dessus est vraisemblablement réalisée par le montage des prises de vue séquencées de l’évènement. Cela ressemble fort à la continuité qu’on pourrait voir sur un film 24 x 36. On se trouve donc dans une version moderne de la planche de contact. C’est l’ouverture de la blackbox ;-) (Via APOD)

Souvent, quand une photo montre un fait visuel étonnant et bien réel, au sens qu’il a existé, on mentionne que la photo n’a pas été retouchée. Je l’ai fait moi-même récemment pour vous présenter une photo un peu bizarre. J’ai le sentiment que cette pratique se répand. Je me suis demandé quelles conditions pouvaient dicter cette attitude... Cela est-il dû simplement à des menaces de véridicité planant sur le statut des images d’aujourd’hui ? Que cherche ainsi à nous dire l’auteur ? Cherche-t-il a renforcer, ou à légitimer, la valeur d’une performance ? Certains photographes jouent-ils à se confronter aux limites de la crédibilité ? Mais aussi, comment certaines de ces images « incroyables » arrivent-elles à se passer du recours à la petite phrase d’avertissement ? Petites digressions à l’aide de quelques images « limite »...

Celui qui suscite le plus remarquablement ce type d’interrogation est Philippe Ramette. Bien que produisant des photos, je ne pense pas qu’on puisse qualifier cet artiste de photographe. Il se met en scène dans des positions incongrues et se fait photographier pour attester de sa performance. Il a besoin pour cela d’un appareillage technique qu’il appelle « prothèses ». Ses mises en scène acrobatiques et qu’on imagine assez inconfortables seraient en général bien plus faciles à réaliser par des techniques de montage photo. Alors, pourquoi le faire « pour de vrai » ? On peut remarquer que Ramette ne met pas la petite phrase de mise en garde sous ses photos (ses exégètes le font pour lui) mais il explique, en interview, que les photos sont une finalité dans son travail : « Les sculptures doivent être considérées à travers la finalité qu’est la photo. » L’artiste expérimente donc physiquement, ce qui ne devrait être qu’un processus intellectuel. Il fixe ainsi les limites extrêmes auxquelles un corps humain peut se plier pour se projeter dans une image romantique. Une sorte d’expiation pour passer de l’être à l’esprit. La photo est utilisée ici pour « valider », pour nous dire « qu’il l’a fait » et accessoirement pour nous faire réfléchir à cette action, sans pour autant nous donner d’autres clés que ses spécifications techniques.

Le photographe Denis Darzacq a publié en 2006 une série de photos intitulée La Chute. En des instantanés saisissants, il a fixé des personnages en état de chute, juste arrêtés au-dessus du sol. Il s’agit de danseurs de Hip Hop ou d’autres danses acrobatiques. Ses images sont un peu énigmatiques et présentent un côté incroyable qui justifie qu’on puisse douter un instant de la réalité de ce qu’elles présentent. Dans son dossier de presse, Denis Darzacq déclare : « J’aime qu’à l’ère de Photoshop, la photographie puisse encore surprendre et témoigner d’instants ayant réellement existé, sans trucages, ni manipulations ». Son travail formel veut nous faire ressentir toute l’énergie, mais aussi la fragilité, d’une jeunesse de banlieue en butte à des barrières sociales impitoyables (les corps, mous / l’architecture, dure). Le doute qui s’instille dans notre esprit à la découverte de ces images se transforme en force d’évidence parce que d’emblée on nous informe sur le contexte de ces images. Si on devait les découvrir sans légende, ou avec juste une mention « images non retouchées », elles seraient peut-être inopérantes. Les instantanés produisent parfois des images à l’aspect quasi irréel, car le gel du temps nous révèle un point de vue que nous ne pouvions pas avoir avant, tant le mouvement était rapide. En ce sens, bien que le moment capturé par l’appareil photo ait existé, on peut parler d’une « manipulation » : une image arrêtée d’une action très rapide peut certes apporter un éclairage documentaire, mais elle ne peut pas être considérée comme relatant une vérité tangible. Le temps, nous le savons tous, ne s’arrête pas. Les lois de la gravité non plus. Les images de Darzaq n’échappent pas à ces considérations, mais ici, l’ambiguïté produite par l’instantanéité en fait des images captivantes.
Denis Darzacq a reçu le 1er Prix « Stories » du World Press Photo 2007, Catégorie Arts & Entertainment pour cette série « La Chute ». Il est représenté par l’agence VU. Denis Darzaq est habitué aux jeux avec la vérité, aux fausses certitudes que captent nos regards. Sa série Fakestars nous montre de parfaites soucoupes volantes, comme il les a vues...et comme la prise de vue les a figées. Et ces photos-là sont sûrement garanties sans retouches ! Le contraire ,dans ce contexte, serait absurde.

Ayant abordé le thème de la chute, je ne peux m’empêcher d’en signaler quelques autres :
• À commencer par celle d’Yves Klein qui se jeta dans le vide le 19 octobre 1960. La photo de son « Saut dans le vide » fit rêver un moment, mais n’a pas droit au label « Réalisé sans trucage » (quelle importance ?). Dialogus l’a interviewé (Attention, il n’y a pas que les photos qui peuvent être truquées, les interviews de Dialogus sont imaginaires, mais ils sont bien documentés.)
• Kerry Skarbakka est un artiste américain qui a fait des chutes et déséquilibres en tous genres le centre de ses recherches. Là aussi, la photo sert de témoin. Lors d’actions importantes, comme la chute depuis un immeuble, c’est la presse et les badauds avertis, qui se chargent d’immortaliser ce qui ressemblerait fort à des actes de bravoure s’il n’y avait un engagement artistique.
• Vous trouverez d’autres adeptes des chutes chez Harlan Erskine.

Ces gens n’étant pas suicidaires, il est normal qu’ils prennent des dispositions (comme les cascadeurs) pour ne pas se blesser. Dès lors, question stupide : quand on dit « sans trucage », entend-on « sans trucage photographique » ou « sans trucage dans le dispositif de prise de vue » ?
 Du point de vue photographique, la réponse à cette question n’a qu’un intérêt anecdotique. Du moment qu’il y a une astuce, quelle importance cela peut-il avoir qu’elle intervienne avant, pendant ou/et après la prise de vue ? Cela permet, une fois de plus, de souligner le fait qu’une photo n’est que le résultat d’une suite de manipulations (choix du sujet, angle de prise de vue, cadrage, transposition sur une échelle de tonalités, instant, etc). Comme le remarque Joan Fontcuberta, « ... le terme même de "photographie manipulée" est une tautologie flagrante. » [1]
 D’un point de vue artistique, la réponse peut évidemment être plus complexe. Elle devra prendre en compte toute une démarche conceptuelle dans laquelle la photo ne représente qu’une partie. Cela n’est pas l’objet de ce billet.

Voici encore une chute, mais d’un tout autre genre. Cette image intense de Mahmud Hams nous fait ressentir un moment de guerre particulièrement dangereux. On frémit à l’idée de se trouver là à cet instant. Rarement les éléments d’un drame imminent n’ont été aussi visibles sur une photo. L’image est suffisamment étonnante pour susciter des questions et pourtant, il me semble qu’il ne viendrait à l’idée de personne d’en contester la véracité. (Cette image serait pourtant facile à fabriquer en photomontage.) Je ne m’en explique pas vraiment la raison et je nage sûrement en pleine subjectivité... La sensation d’urgence et l’émotion qu’elle dégage sont-elles capables d’annihiler nos barrières ? On connait d’autres critères, en général liés à des conditions de prises de vue précaires (flou de bougé) qui donnent du crédit aux images. Il y a certes un peu de cela, ici, mais la prise de vue est plutôt bien maîtrisée (quel sang froid !). Alors ? Peut-être qu’un peu d’adrénaline a réellement passé derrière l’objectif :-)Mahmud Hams a gagné le Prix Bayeux-Calvados des correspondants de guerre 2007 pour son reportage dans la bande de Gaza d’où est tirée cette photo.

À ma connaissance, les photos de presse ne sont pas munies de la petite phrase garantissant l’absence de retouche. Et pour cause, la presse n’étant pas censée nous mentir, cette pratique serait un terrible aveu ;-)

Je n’ai pas la prétention d’avoir fait le tour de mon sujet. Je ne pense pas non plus qu’on puisse tirer une quelconque conclusion générale suite à ces exemples. Mais une petite question reste posée : certaines photos devront-elles à l’avenir revendiquer ouvertement une authenticité ? Ou au contraire, sauront-elles imposer leur vérité par la seule évidence de leur contenu ?
Quand je dis « leur vérité », je ne précise pas le type de vérité que cela peut recouvrir... Mais cela est une autre histoire dont nous reparlerons certainement...

Suite à mon précédent billet, certains se sont émus de ce que je puisse ajouter des nuages dans un ciel bleu. Je tiens à les rassurer : c’est très loin d’être systématique, ne serait-ce qu’à cause du travail que cela demande ;-) On a évoqué aussi la différence, chère aux Anglo-Saxons, entre postprocessed et doctored. Selon cette posture, il est admis qu’on peut se servir d’outils imitant, grosso modo, ce qui est réalisable dans un laboratoire argentique, alors que la retouche proprement dite est prohibée. Autrement dit, on peut modifier les réglages des pixels originaux, alors que la création ou l’apport de nouveaux pixels est rejetée [1].
Restons dans les nuages avec ces 2 exemples de photos postproduites dont j’ai un peu exagéré le caractère pour la démonstration. Sur la première, je me suis « contenté » de changer les réglages des pixels originaux [2]. Alors que sur la deuxième, j’ai clairement fait une petite retouche en collant des nuages provenant d’une autre photo.

Il n’y a pas photo - si j’ose dire ! Le premier exemple montre des effets dramatiques, alors que la retouche sur le second n’a qu’un faible impact [3]. Le travail sur la première image serait donc « autorisé », alors que sur la deuxième il ne serait pas admis...? Cette petite expérience (exagérée, je le redis) n’est là que pour ébranler quelques certitudes trop bien arrêtées. Les interventions en postproduction sur les photos ne se laissent pas enfermer dans des spécifications techniques. Tout est affaire de nuances. Et décidément, rien n’est simple au pays de la photo numérique !